Bir Anish Kapoor eserini gördüğünüzde, o kendine has etkiyi anında hissedersiniz; büyüleyici optik illüzyonları ve gerçekliği büken devasa anıtlarıyla sanat dünyasında küresel bir figür haline gelen sanatçı, kırk yıllık kariyeri boyunca üretiminin çeşitliliği, miktarı ve ölçeğiyle sürekli yeni kitleleri büyülemeyi başardı. Bu tür geniş çaplı görsel deneyimler, izleyiciyi gerçeklikten koparan ve onu adeta sinematik bir illüzyonun içine hapseden ilk sürrealist akımların yarattıığı o çarpıcı görselliği anımsatıyor.
“Tek bir şey üzerinde çalışmakla ilgilenmiyorum,” dedi Kapoor, Mart ayında gerçekleştirdiği bir stüdyo ziyaretinde. “Her zaman çok fazla şey yapıyorum çünkü her şey başka şeylerden filizleniyor.”
Güney Londra’da yer alan ve 33.000 fit karelik geniş bir alana yayılan stüdyo kompleksinde, sihrin nerede gerçekleştiğini ararken Kapoor’un atölyesinin sadece bir “başarı fabrikası” olmadığını gördüm; aksine burası sürekli denemelerle dolu, her köşesinde sanatçının yükselen hırslarını ve yaratıcı sürprizlerini barındıran dinamik bir üretim alanı.
Bazı en etkileyici eserler, Londra’daki Hayward Gallery bünyesinde 18 Ekim tarihine kadar sergilenecek olan büyük çaplı yeni materyallerden oluşan gösteri için son dokunuşlarını alıyordu. Eleştirmenler, Kapoor’un optik illüzyonlara olan süreklilik arz eden ilgisini —Telegraph yazarı Alastair Sooke‘un ifadesiyle “gözleri eriten görsel oyunlar”— ve son dönemde vücut odaklı, rahatsız edici derecede içsel çalışmalara yönelişini; Guardian eleştirmeni Jonathan Jones‘un “ilahi bir kan banyosu” olarak tanımladığı eserlerini övgüyle karşıladı.
Serginin odak noktalarından birini 2026 yapımı Ha Makom oluşturuyor. Eser ilk bakışta, belirsiz bir kapıyla taçlandırılmış, kayalık ve dünya dışı bir arazi formunu almış durumda; adeta başka bir boyuta açılan gizemli bir geçit gibi görünüyor. Ancak eseri asıl tanımlayan o derin, şarap kırmızısı boya katmanı —ki bu ton Kapoor’un her100% her zaman güçlü bir etki yaratan imzasıdır— henüz uygulama aşamasındaydı. Sanatçı, bu “hayati” rengi tam istenen tonda yakalamanın çeşitli teknik zorluklar barındırdığını belirtti.
Sanatçının hedefi, eserin “aynı anda hem ağırlığa hem de parlamaya sahip olması.” Bu durum, odun hamuru, cam elyafı ve reçine karışımıyla oluşturulan gözenekli ve pürüzlü bir yüzeyle çalışırken oldukça karmaşık bir görevdir. Kapoor, bu dokunun adeta “gerçekleşmek istemiyormuş gibi” davrandığını ancak tam da bu çukurlu yapının bitmiş eseri kritik bir şekilde “karanlık boşluklarla” doldurduğunu ifade ediyor. Bu tür yoğun materyal kullanımı ve yüzeyin yarattığı dramatik derinlik, 1960’lı yılların deneysel sinemasında fiziksel dokuların mekânsı atmosferi inşa etmek için kullanıldığı o çarpıcı estetikle benzer birer görsel dil sunuyor.
Bu durumun sonucu olarak eser, yakından bakıldığında zengin detaylara sahip olsa da uzaklaştıkça hafifçe “bulanmaya” başlıyor. Kapoor bu durumu “belirli bir maddesizlik” olarak tanımlıyor ve aradığı şeyin tam da bu “ara bölge” olduğunu belirtiyor.
Hatta Kapoor’un kendi standartlarına göre bile 2026 yılı oldukça yoğun bir yıl oldu. New York’taki Jewish Museum ve Georgia, Savannah’daki SCAD Museum of Art‘da yakın zamanda kapanan sergilerin yanı sıra, Venedik’teki Palazzo Manfrin ve Almanya’nın Duisburg kentindeki Lehmbruck Museum‘da yaz boyunca devam eden iki başka gösterim daha bulunuyor. Finlandiya’nın Mänttä kasabasındaki Serlachius müzesinde ise bir sergi 4 Nisan 2027 tarihine kadar sürecek.
Mart ayında, Serlachius gösterisi için Ancestor (2026) adlı eseri üzerinde çalışmaya devam ediyordu; bu parçanın da tıpkı Ha Makom gibi “neredeyse bir meteorit” benzeri bir dokuya sahip olacağını belirtti. O dönemde eser henüz kaba ahşap çerçevesinin dışarıda olduğu iskeletsi bir aşamadaydı ve imkansız ağırlıksızlığı hala sanatçının zihninde şekilleniyordu. Bu evre, oldukça düzensiz yapının “formunu icat etmek ve formun yeterince karmaşık hale getirilmesi” ile ilgiliydi.
“Macera dolu olmalı,” dedi sanatçı; tekrarlanan formların, doğanın öngörülemez akışıyla uyumlu şekilde sürekli yeni ve özgün biçimlerle yeniden yapılandırıldığını ekledi. Parçalar halinde inşa edilen eser, 23 fit yüksekliğindeki stüdyo alanına ancak sığabiliyordu. Ancak müzede yerinde birleştirildiğinde hem yükseklik hem de genişlik olarak 30 föteye ulaşarak tavanı adeta öpüyor. Bu devasa ölçek meselesi, tıpkı sinemanın görkemli prodüksiyonlarında veya geniş açılı çekimlerde izleyiciyi fiziksel olarak kuşatan o derin mekan algısında olduğu gibi, sanatçının eserle kurduğu ilişkiyi doğrudan etkiliyor.
Kapoor, sanat dünyasında ölçeğin geleneksel olarak sorunlu bir konu olarak görüldüğünü ifade etti: “Neden bu kadar büyük? Bu durumun vücudunuz üzerindeki etkiyle ilgili. Eğer sadece büyük olduğu için büyükse, kimin umurunda.”
Sanatçının ölçeğe dayanmayan başka yöntemleri de mevcut. Geniş stüdyosunun bir odası, Vantablack ile üretilmiş küçük optik illüzyonların yer aldığı kürsülerle doluydu. Bilimsel araçlarda kullanılan ve Kapoor’un on yıl önce sanatsal kullanım haklarını satın aldığı bu aşırı emici siyah tonu, izleyici hareket ettikçe düzden içbükeye doğru beklenmedik şekil değişimleri sergiliyor. Bu eserler, 1915 yılında radikal Siyah Karesini (Black Square) yaratan erken modernist Kazimir Malevich‘e bir saygı duruşu niteliğinde.
“Ne kadar yaramaz, güçlü, basit ve aptalca bir hareket,” dedi Kapoor. “Siyah bir kare.” Ancak Malevich’in nesnelerin “ötesine geçtiği” veya bu hissin maddeyi aşarak ruhsal boyutlara ulaştığına dair inancı, Kapoor’un kendi içsel dünyasıyla derin bir uyum sergiliyor. Sanatçı, gözyaşlarını silmek için kısa bir duraklama yaptığında sesi titreyerek devam etti: “Doğmadan önce neredeydim? Öldükten sonra nereye gidiyorum?” Malevich nesnenin dördüncü boyutuna işaret etmişti ve bu durum Kapoor için son derece kıymetli, hayati bir nokta oluşturuyordu.
Işığın %99,9’unu emerek derinlik algısını tamamen ortadan kaldıran Vantablack kullanımı, Kapoor’un üç boyutlu projeksiyonları veya kıvrımları göz önünde gizlemesine olanak tanıyor. Maleviç ile benzer bir duruş sergileyen sanatçı, “Bu durum nesneyi varlığın ötesine taşır. Elbette bu bir kurgu, bir tür fantezi; ancak sanat tam da bununla ilgilidir,” diyerek formun ve boşluğun sınırlarını sorguluyor. Bu yaklaşım, tıpkı erken dönem avangart sinemanın mekânı sadece bir dekor değil, başlı başına bir anlatı aracı olarak kullanma pratiğiyle paralellik gösteriyor.
Işığın %99,9’unu emerek derinlik algısını tamamen ortadan kaldıran Vantablack kullanımı, Kapoor’un üç boyutlu projeksiyonları veya kıvrımları göz önünde gizlemesine olanak tanıyor. Maleviç ile benzer bir duruş sergileyen sanatçı, “Bu durum nesneyi varlığın ötesine taşır. Elbette bu bir kurgu, bir tür fantezi; ancak sanat tam da bununla ilgilidir,” diyerek formun ve boşluğun sınırlarını sorguluyor.
Stüdyo duvarlarından dışarı taşan daha geniş “boşluklar” veya yoğun pigmentle yıkanmış kaplar, izleyiciyi alışılagelmişin ötesinde bir deneyime davet ediyor. Kapoor, bu tür bir çalışmayı ilk kez Prusya mavisi ile gerçekleştirdiğinde, karşısında sadece maviye boyanmış boş bir alan değil, “mavilikle dolu veya benim deyimimle karanlıkla dolu” bir hacim bulduğunda şaşkınlığını dile getirmişti. Boş olanın dolması ve derinliğin kayboluşu, izleyiciyi adeta sonu kaldığı belli olmayan bir uçuruma çekiyor; tıpkı Tarkovski sinemasındaki o tekinsiz boşluk hissi gibi, her şeyin sesinin boğulduğu mutlak bir karanlık yaratıyor.
Son yıllarda Kapoor, çok daha karmaşık ve çarpıcı derecede vahşi görseller içeren çalışmalara yöneldi. Londra sergisi için hazırladığı Ritual Expiation (2025–26) serisindeki yumuşak silikon kütleler, tıpkı katledilmiş bir hayvanın iç organları gibi pembe ve koyu bordo boya sızdırıyor. Bu görsel yoğunluk, estetik bir şiddet barındırırken, sanatçıyı Jackson Pollock’un “kozmik” olarak tanımlanan eserlerine yaklaştırıyor.
Pollock’un “aksiyon” tabloları, dürtüsel ritimlerin ve bedensel sıvıları anımsatan dokuların birer dışavurumu olarak kabul edilir. Ancak Kapoor, bu kontrolsüz karmaşayı bir duvara yerleştirerek “Dünya ve kan ve bedeni kozmosa dönüştürür.” Bu süreç, sanatın temelindeki o kadim simyasal dönüşümü temsil ediyor.
Anish Kapoor’un görsel derinlik ve mekansal algı üzerine kurduğu estetik dünyayı yansıtan “Anish Kapoor” sergisi, küresel bir sanat rotası çizerek farklı duraklarda izleyiciyle buluşuyor. Bu kapsamlı seçki, 18 Ekim tarihine kadar Londra’daki Hayward Gallery bünyesinde kapılarını açıyor. 
Sanatçının form ve boşluk arasındaki o ince çizgiyi keşfeden çalışmaları, tıpkı sessiz sinema dönemindeki görsel devrimlerin yarattığı çarpıcı estetik gibi izleyicide derin bir algı kırılması yaratırken, modern sanatın sınırlarını zorlayan bir deneyim sunuyor. Finlandiya’nın Mänttä kentindeki Serlachius müzesinde “Anish Kapoor” sergisi 4 Nisan 2027 tarihine kadar devam edecek. Duisburg, Almanya’daki Lehmbruck Müzesi’nde ise “Anish Kapoor” sergisi 30 Ağustos’a kadar açık kalacak. Venedik’te yer alan Palazzo Manfrin’de ise “Anish Kapoor” sergisi 8 Ağustos tarihine kadar görülebilecek.
Kaynak: Artnet-News