Fırsatlarla dolu bu topraklarada başarılı olmak çoğu zaman sıra dışı tabelalar ve cesur grafiklerle mümkün olmuştur. Burada, zamana meydan okuyan, hemen tanınabilir tasarım öğeleri taşıyan bir dizi Amerikan objesini seçtik. Bu nesnelerin ticari faaliyetleri ile kültürel unsurları arasındaki ilişki, başarılı markalaşmanın sadece kitlesel tüketim ve büyük ölçekli pazarlama anlamına gelip gelmediği sorusunu akla getiriyor.
Burada yer alan tüm örnekler, kendi alanlarında ikon haline gelmişlerdir ve moda, fast food gibi farklı sektörlerden mimari şaheserlere kadar her yerde kullanılmıştır. Bu nesnelerin yaratıcı hikayelerine göz atalım.
14 Amerikan logosu: Çağdaş grafik tasarım tarihine damga vuranlar
I ❤️ NY
Bu dönemde, Amerika Birleşik Devletleri’nin yükselişi ve kültürel etkisinin artması, benzer bir etkiyi dünya genelinde görmemize neden olmuştur. Örneğin, Roma İmparatorluğu’nun genişlemesiyle birlikte, Roma mimarisi ve sanatı tüm imparatorluk boyunca yayılmış ve yerel kültürlerle harmanlanarak benzersiz eserler ortaya çıkmıştır. Aynı şekilde, Amerika’nın yükselişi de farklı ülkelerde benzer yaratıcı sentezlere yol açmıştır.
“I Love NY”: Dünyanın En Çok Taklit Edilen Logosu
“I Love NY” logosu, yaygın kullanımı sayesinde belki de dünyanın en çok taklit edilen logolarından biridir. 1976’da tanıtıldığından beri, her yerde ve her şey için bağlılığın ve sevginin genel bir ifadesi haline gelmiştir. Milton Glaser tarafından tasarlanan logo, başlangıçta New York şehrini iflasın eşiğinden kurtarmaya yardımcı olan bir reklam kampanyasının görsel bir parçasıydı. Büyüyen mali açıkla mücadele eden şehir yetkilileri, turistleri yeniden şehre çekmek için bu kampanyayı finanse etti. Glaser, evinden ofise taksiye giderken, sıkça yaptığı gibi, aklına gelen bir fikri kağıda döktü. Amerikan Typewriter yazı tipinde “I” ve “NY” harflerini kullandı ve uzun süredir birlikte çalıştığı asistanı George Leavitt ile birlikte tasarımı biraz değiştirdi. Emojilerin yaygınlaşmasından onlarca önce, bazıları bu sembolik yapının insanların kafasını karıştırabileceğini düşünse de, şehir yetkilileri öneriyi kabul etti ve kısa süre sonra bunu tüm eyalet için bir logo olarak kullandı.
Telif hakkı hemen elde edildi ve bu, eyalete her yıl on binlerce dolarlık lisanslama geliri sağladı. Bu durum, 20. yüzyılın sonlarında birçok ülkenin benzer stratejiler izlediği bir dönemde gerçekleşti. Örneğin, Sovyetler Birliği’nin “Biz Lenin’i Seviyoruz” afişleri ve sloganları, halkın bağlılığını göstermek için kullanılıyordu. Benzer şekilde, Çin Halk Cumhuriyeti’nde Mao Zedong’un portreleri ve alıntıları, ideolojik bir bağ oluşturmak amacıyla yaygın olarak kullanıldı.
Telif hakkının alınması, “I Love NY” logosunun benzersizliğini korurken, aynı zamanda eyaletin ekonomik kaynaklarını artırmasına olanak tanıdı. Bu durum, günümüzde birçok markanın ve kurumun telif haklarının önemini anlaması için bir örnek teşkil ediyor.
Glaser’ın logosu, geniş kitleler tarafından tanınır hale geldi ve onun için bir imaj haline dönüştü; ancak bu durum, onunla ilgili yazılan neredeyse her makalede logonun tekrar vurgulanmasına yol açtı. 2009 yılında Ulusal Sanat Madalyası’na layık görülen Glaser’ın diğer önemli başarıları arasında, dergisini kurması, restoranlar için tasarımlar yapması ve yüzlerce poster, albüm kapağı ve kitap tasarımı üretmesi, ayrıca Brooklyn Brewery, DC Comics ve İtalyan dondurma markası Sammontana için logolar tasarlaması yer almaktadır. 2020 yılında 91. doğum gününde hayatını kaybeden Glaser, logonun orijinal amacının bir şehir sembolü olduğunu hiçbir zaman unutmadı. 11 Eylül saldırılarının ardından, logonun üzerine “Daha Fazlası İçin” ifadesini ekledi, logonun bir köşesine yanık izi koydu ve yaslı şehre hazır bir afiş sundu. Aynı poster, pandemi sırasında dükkan vitrinlerinde ve yiyecek arabalarında tekrar görüldü. 2023 yılında şehir, Glaser’ın logosunu yeniden markalaştırma ihtiyacı hissetti, ancak gelen şikayetlerin yoğunluğu tek bir şeyi gösterdi: orijinal logoya karşı büyük bir sevgi vardı. Yazı: Anne Quito
New York Mets
Glaser’ın logosunun bu yaygın kabul görmesi ve sembol haline gelmesi, onu bir yandan ünlü yapmışken, diğer yandan da yaratıcılığını kısıtlayan bir durum yaratmıştır. Bu durum, 1968’de kurulan ve kısa sürede büyük ilgi gören “Serpents” adlı dergiyi hatırlatıyor; bu dergi de kendi zamanında benzer şekilde, yenilikçi ve provokatif içeriğiyle dikkat çekmiş ancak aynı zamanda belirli çevrelerde tartışmalara yol açmıştır. Her iki durumda da, yaratıcının eserleri geniş kitleler tarafından benimsenirken, bazı kesimler tarafından eleştirilmiş veya farklı yorumlanmıştır.
New York Mets Logosu ve Tiffany & Co’nun Efsanevi Kutusu
1961 yılında tanıtılan, kamuoyu yarışmasıyla seçilen New York Mets logosu, ressam Ray Gotto’nun eseridir. Бейсбол takımının Queens bölgesinde (rivali New York Yankees’in Bronx’ta bulunmasına rağmen) mücadele etmesine rağmen, Gotto, tüm şehri birleştirebilecek bir sembolün gerekli olduğunu hissetti ve Woolworth Binası, Empire State Binası ve BM Genel Merkezi gibi farklı bölgelerden alınan simge yapıları içeren sembolik bir New York silüeti çizdi. Ayrıca, kompozisyonu bir asma köprü ile tamamladı. Başlangıçta siyah ve pembe renklerde tasarlanan logo, daha sonra mavi, turuncu ve beyaz renklere dönüştürüldü; bu renkler aynı zamanda New York Şehri’nin bayrağının renklerini de yansıtmaktadır. Mets takımı, yıllar içinde birçok kez yönetim değişikliği, teknik direktör değişikliği, stadyum değişikliği ve forma değişikliği yaşasa da, Gotto’nun logosu hala büyük bir özenle korunmaktadır.
Yazı: Anne Quito
Tiffany & Co
Tiffany kutusu, parayla satın alınamayan ünlü nesneler listesine girmiştir. 1906’da New York Sun gazetesinde yayınlanan bir makalede, “Charles Lewis Tiffany’nin stoklarında, herhangi bir ücret karşılığında satın alamayacağınız bir şey vardır; bunu sadece size verir. Ve bu da onun kutularından biridir” deniliyordu ve bu kural hala geçerlidir. Kutunun karakteristik turkuaz rengi, 1998’den beri tescillidir ve 2001’de resmi bir Pantone rengi olarak belirlenmiştir (şirketin kuruluş yılını yansıtmak için 1837 Blue olarak adlandırılmıştır). Büyük ölçüde değişmeden kalmasına rağmen, 2005 yılında Pentagram’dan Paula Scher, markaya daha sade bir yenilik getirilmesi için görevlendirildi. Yeni kimlik, mavi kutuya odaklanıyordu ve bu renk, reklamcılıkta, çantaların üzerinde ve kutuların iç kısmında kullanıldı. Yeni logo, elle çizilmiş olup, sıcak damgalı, baskı tipi görünümüne sahip olup, lüks ve zanaatkârlık birleşimini simgelemektedir.
Yazı: Rosa Bertoli
Chateau Marmont
Şaton Marmont: Hollywood Efsanesinin Kalbinde Bir Köşe
Şaton Marmont, Hollywood folklorunda özel bir yere sahip olan, Sunset Strip’in manzaralı dekadansın sembolü haline gelmiş bir mekandır. Yaklaşık bir asırdır sanatçılara, film yıldızlarına ve müzisyenlere ev sahipliği yapmaktadır. Orijinal olarak 1929 yılında apartman binası olarak açılmış, Loire Vadisi’ndeki orta çağdan kalma Château d’Amboise’dan ilham alınarak tasarlanmış, daha sonra 1930’larda bir otele dönüştürülmüştür. André Balazs’ın 1990 yılında devralmasının ardından, tarihi ambiyansını mümkün olduğunca korumak istemiş ve bu amaçla Pandiscio Green adlı kreatif ajansla işbirliği yaparak görsel bir kimlik oluşturmuştur. Otelin zengin geçmişi, zamana meydan okuyan logosunda da kendini gösterir. Logo, 1938’de Hollandalı tipograf Sjoerd Hendrik de Roos tarafından yaratılan Libra yazı tipinin orta çağ stilini kullanır; el çizimi görünümü, mekanın Fransız gotik ve kasıtlı olarak bakımsız estetiğiyle mükemmel bir uyum içindedir. Bu tasarım, 20. yüzyılın başlarında art nouveau hareketinden esinlenerek yaratılmış, organik formları ve zarif detaylarıyla dikkat çeken bir dönemdir.
IBM
1956 yılında tasarlanan IBM logosu, Uluslararası İş Makineleri’nin hala devasa bilgisayarlarında vakum tüpleri kullandığı bir zamana aittir. Bu logonun yaratıcısı Paul Rand’dı; o, kurumsal kimlik çalışmalarına geçmeden önce dergi sanat yönetmeni olarak deneyim kazanmıştır. Basit üç harfli tasarım, endüstriyel devi için geniş ürün yelpazesinde tutarlılık sağlamış ve bir iş kartından bir iş merkezi girişine kadar her alanda kullanılabilir olmuştur. Rand, 1960 ve 1972 yıllarında bu tasarımı değiştirerek tanıdık çizgili versiyonu oluşturmuştur. Bu tasarımın başarısı, günümüzde de birçok şirketin logosunun temelini oluşturmuştur; basitliğin ve akılda kalıcılığın gücünü gösteren bir örnektir. Benzer şekilde, Coca-Cola’nın ikonik amblemi de benzer bir sadelikle, dünya çapında tanınırlık kazanmıştır.
Özgün, cesur ve etkileyici olan bu logo, dünyanın en büyük bilgisayar üreticisi için uygun bir ciddiyet taşıyordu ve günümüzde hala kullanılmaktadır. Birçok açıdan, IBM, tasarım konusunda öncü bir ortak olmuş ve Isamu Noguchi, Eliot Noyes, George Nelson, Denys Lasdun ve Eero Saarinen gibi isimlerle de çalışmıştır.
Snoopy
Charles M Schulz tarafından yaratılan, Peanuts adlı çizgi roman, Charlie Brown ve köpeği Snoopy’nin maceralarını konu almaktadır. Snoopy, Schulz’un çocuklarla köpekler arasındaki ilişkiyi gözlemlemesiyle ortaya çıkmıştır; Schulz, bir köpeğin çocukların oyunlarına ne kadar hoşgörülü olduğunu fark etmiştir. Schulz başlangıçta onu sıradan görünümlü siyah beyaz bir beagle olarak çizmişti ve dört ayak üzerinde yürüyordu, ancak daha sonra onu basitleştirdi; Snoopy’nin uzun kulakları ve ifade dolu gözleri geliştirildi. Bu sade tasarım, Snoopy’yi hem anında tanınabilir hale getirdi, hem de uyarlanabilir yaptı; böylece gazetelerdeki çizgi romanlardan oyuncaklara, reklam kampanyalarına ve moda işbirliklerine kadar her alanda kullanılabilmesini sağladı. , ve Lacoste gibi markaların koleksiyonlarında yer almış ve spor ayakkabılardan saatlere kadar birçok üründe kullanılmıştır. Örneğin, Timex, 1965 yılında Peanuts karakterlerini kullanma lisansını alan ilk saat markalarından biri olmuştur. Metin: Hannah Silver
Campbell’s
Campbell’s çorba kutusu, Andy Warhol’un 1960’larda dikkatini buraya çektiğinde, zaten Amerika’daki en tanınmış ambalaj tasarımlarından biriydi. Ticari tasarım ile güzel sanat arasındaki sınırları bulanıklaştırma konusunda yetenekli olan Warhol, ambalajın sıradanlığın ötesine geçerek kendi başına bir kültürel sembol haline gelebilecek güce sahip olduğunu fark eden nadir isimlerden biriydi. Warhol, çorba kutusunu neredeyse birebir ve herhangi bir yorum katmadan çoğaltarak, izleyicilerden bu kadar sıradan bir eşyanın neden bu kadar önemli olduğunu düşünmelerini istedi ve bu anlamın kendi kopyasından mı kaynaklandığını yoksa orijinal ambalaj tasarımının etkinliğinden mi kaynaklandığını sorguladı. Bu eser, Pop Sanat akımının tanımlayıcı bir imgesi haline geldi ve çağdaş sanatın ne olabileceğine dair tamamen yeni bir vizyon sundu, aynı zamanda gelecek nesillerden oluşan grafik tasarımcıları ve reklamcılar üzerinde de büyük bir etki yarattı. Hannah Silver tarafından yazılmıştır
Campbell’s çorba kutusunun bu özelliği, aslında tüketim kültürünün yükselişini ve günlük yaşamın estetik değerlerini yeniden değerlendirme ihtiyacını yansıtmaktadır. Bu bağlamda, Warhol’un eserleri, 20. yüzyılın başlarında ortaya çıkan Dadaizm akımının bir devamı olarak da görülebilir; Dadaizm de savaşın yıkıcı etkilerine bir tepki olarak gündelik nesneleri ve absürtlüğü sanatın içine dahil etmeye çalışmıştır.
Hollywood
Dünyanın en ünlü tabelası, 1923 yılında yeni bir gayrimenkul projesini tanıtmak amacıyla kurulan konsorsiyumun bir parçası olan SH Woodruff ve Tracy E Shoults’un hayal bile edemeyeceği bir üne kavuştu. İş, Crescent Sign Company’den Thomas Fisk Goff’a verildi ve Goff, “Hollywoodland” ismini, Beachwood Canyon’ın üzerindeki yamaçta 50 fit yüksekliğinde büyük harflerle yazdı. Uzaktan görülebilen ve ilk on yılında aydınlatılan tabela başlangıçta popülerdi ancak kısa süre sonra bozulmaya başladı. Tabela sadece “ollywoodland” olarak kaldığı noktada yıkımı düşünülüyordu, ancak 1949’da yerel destek sayesinde Hollywood Ticaret Odası devreye girdi, “H” geri getirildi ve “land” kısmı kaldırıldı. O zamandan beri tabela olduğu gibi kalmış, hatta kutladığı sektörden daha uzun ömürlü olma potansiyeline sahip hale gelmiştir. Jonathan Bell tarafından yazılmıştır
Hollywood tabelasının bu durumu, aslında modern toplumun semboller aracılığıyla nasıl anlam yarattığını ve kimlik oluşturduğunu göstermektedir. Bu bağlamda, tabelanın ömrü boyunca geçirdiği değişimler, Hollywood’un kendisinin de sürekli bir dönüşüm içinde olduğunu ve geçmişiyle olan ilişkisini yeniden tanımladığını simgelemektedir.
MoMA
MoMA’nın Zamansız Logosu ve McDonald’s
Ivan Chermayeff tarafından tasarlanan MoMA logosu, ilk olarak 1964 yılında kullanıma girdi ve Franklin Gothic No.2 yazı tipinin etkili ve modern kullanımıyla dikkat çekti. Yıllar sonra, 2004’te Matthew Carter tarafından özel olarak tasarlanan “MoMA Gothic” yazı tipi tanıtıldı. Beş yıl sonra, Pentagram ajansı, müzenin tüm görsel iletişim materyallerinde (işaretlerden afişlere ve yayınlara kadar) MoMA Gothic’in kullanımına yönelik yönergeler oluşturmak için görevlendirildi. Ajans, Julia Hoffmann ile birlikte çalışarak logonun nasıl kırpılabileceği, renklendirilebileceği ve içeriğe nasıl eşleştirilebileceğine dair çözümler üretti, böylece logo daha soyut bir harf grubuna dönüştürüldü. Chermayeff’in orijinal tasarımı o kadar başarılı oldu ki, 60 yılı aşkın süredir müzenin görsel kimliğinin temel taşı olmaya devam ediyor. Yazı: Jonathan Bell
McDonald’s
MoMA’nın görsel kimliğinin bu uzun ve başarılı evrimi, diğer büyük kurumların da benzer süreçlerden geçtiğini gösteriyor. Örneğin, Coca-Cola’nın logosu da yıllar içinde farklı versiyonlara sahip olmuş olsa da, temel unsurları korunarak günümüze kadar ulaşmıştır. Bu durum, bir markanın veya kurumun kimliğinin zaman içinde nasıl evrilebileceğine dair önemli bir örnektir.
McDonald’s Golden Arches
İlk McDonald’s restoranı, fiziksel olarak altın yayları sergileyen ve Stanley Clark Meston tarafından tasarlanan 1953 yılında Arizona’nın Phoenix kentinde açıldı. Kurucu ortak Richard McDonald ile çalışan Meston, yayların sadece basit eğriler olmasını değil, yapısal parabolalar olmasını sağladı. Ancak, bu fiziksel unsurların genişletilmiş “M” logosuna dönüştürülmesi, şirketin mühendislik ve tasarım bölümünün başındaki Jim Schindler’e ait bir başarıdır. Schindler, aynı zamanda imzası olan sarı ve kırmızı renkleri kullanarak dikkat çekici bir kontrast oluşturdu. Günümüzde McDonald’s restoranları, 24 saat içinde kurulabilen modüler yapılar olup, neon ışıklı “Googie” tarzı tasarımlardan farklıdırlar. Ancak, altın yaylar onlarca yıldır ambalajlarda kullanılarak milyarlarca kişiye ulaştırılmıştır. Jonathan Bell tarafından yazılmıştır.
Nike Swoosh
Phil Knight, Nike’ın kurucu ortaklarından biriydi ve Carolyn Davidson tarafından tasarlanan ikonik “swoosh” logosunu ilk gördüğünde, “Bunu sevmiyorum ama zamanla alışacağım” demişti. Portland State Üniversitesi’nde tasarım öğrencisi olan Davidson, bu komisyon için 35 dolar aldı; daha sonra şirketin hisseleri ve üzerinde swoosh motifinin bulunduğu bir elmas yüzükle ödüllendirildi. Orijinal olarak o dönemdeki diğer spor ayakkabılarındaki şeritlere gönderme yapan bu tasarım, Davidson’ın hız ve çeviklik hissini ifade etme amacını taşıyordu. Bu amaca hizmet edercesine, 1972’de swoosh logosuyla donatılmış Nike ayakkabılarıyla Boston Maratonu’nun en iyi iki Amerikalı sporcusu yarışı tamamladı. Jack Moss tarafından yazılmıştır.
Levi’s
Levi’s: Dayanıklılığın ve Amerikan Modasının Sembolü
Levi’s markası, 1850’lerin ortalarında, Kaliforniya altın madenciliğinin yoğun olduğu dönemde, Bavyera göçmeni Levi Strauss tarafından kurulmuştur. Strauss, madencilerin ihtiyaç duyduğu dayanıklı iş giysilerine odaklanmıştır. 1873 yılında, “waist overall” adı verilen ve metal rivete takılmış, indigo selvedge denim kumaştan üretilen pantolonları tasarladı; bu, günümüzde “orijinal mavi kot” olarak bildiğimiz şeyin temelidir. Bu yıl, her Levi’s kotun deri etiketinde belirtilir. Tasarım, “iki atlı etiket” olarak bilinir ve iki atın, bir çift pantolonu zıt yönlere doğru çekerken yırtmamasına dayanarak adını almıştır. Amerikan Batısı’ndaki yüksek okuryazarlık oranları nedeniyle, görsel bir tasarım kullanılmıştır; böylece insanlar mağazalara gidip “iki atlı etiketli pantolon” isteyebilirlerdi. Markanın logosu zamanla değişmiş olsa da, iki atlı etiket sembol olarak korunmuş ve bu, Amerika’nın en önemli moda ihracatı olmaya devam etmiştir. Yazar: Jack Moss
Bu dönem, Amerika Birleşik Devletleri’nin Batı bölgesinin hızla geliştiği ve demiryollarının inşa edildiği bir zamana denk gelmektedir. Bu hızlı gelişim, iş gücüne olan talebi artırmış ve bu da dayanıklı giysilere olan ihtiyacı yükseltmiştir. Levi Strauss’ın bu ihtiyaca yönelik çözümü, sadece bir giysi markası değil, aynı zamanda Amerikan çalışma ahlakının ve dayanıklılığın sembolü haline gelmiştir. Bu durum, 19. yüzyılın sonlarında İngiltere’de yaşanan Sanayi Devrimi’nin sosyal etkilerine benzerdir; burada da yeni iş kollarının ortaya çıkması, farklı bir yaşam tarzı ve giyim ihtiyacı doğurmuştur.
Calvin Klein
Calvin Klein’ın sans serif logosu, markanın aynı adlı tasarımcısı tarafından 1968 yılında tanıtıldı ve sadelik ile doğrudanlığın bir örneğidir; bu, Klein’in 1990’larda yükselişe geçen moda anlayışının yansımasıdır. Logo, parfüm şişelerinden tişörtlere kadar her yerde kullanılmış olsa da, sonsuza dek markanın iç çamaşırlarının elastik bel kısmıyla özdeşleşecektir; bu, insanların pantolonlarını daha yukarı çekerek marka bağlılıklarını göstermelerine olanak tanıyan bir pazarlama dehasıdır. Bu yaygınlığa, Bruce Weber ve Herb Ritts gibi fotoğrafçıların çektiği Calvin Klein’ın iç çamaşırı reklamları sayesinde ulaşılmıştır. Unutulmaz kampanyalarda yer alan isimler arasında Olimpiyatlar’da sırıkla yüksek atlama branşında yarışan Tom Hintnaus, Mark Wahlberg, Kate Moss, Freddie Ljungberg, Naomi Campbell, Justin Bieber, Aaron Taylor Johnson, Jeremy Allen White ve Bad Bunny gibi isimler yer almıştır. Yazı: Jack Moss
Calvin Klein’ın iç çamaşırı reklamlarının başarısı, moda dünyasında benzer etkilere sahip birçok örneğin ortaya çıkmasına öncülük etmiştir. Örneğin, 2000’lerin başında H&M’in Madonnna ile yaptığı işbirliği, markanın imajını genç ve dinamik bir hale getirmiş, tüketicilerin zihninde güçlü bir bağ oluşturmuştur. Bu tür ortaklıklar, sadece markaların bilinirliğini artırmakla kalmaz, aynı zamanda yeni hedef kitlelere ulaşmalarına da yardımcı olur.
Nirvana
1989’da Nirvana’nın ilk plak şirketi olan Sub Pop, grubun ilk albümü Bleach için bir kapak tasarımı arayışındaydı. Tasarımı Seattle’daki müzik dergisi The Rocket‘ta çalışan Lisa Orth’a yaptırdılar. Hikaye şu şekilde: Lisa, meslektaşlarından Grant Alden’den sadece o sırada kullanılan yazı tipini kullanmasını istedi. Bu, bloklu bir serif yazı tipi olan Onyx idi ve bu yazı tipi, kapağın siyah-beyaz canlı fotoğrafıyla çok iyi uyum sağladı; böylece bu yazı tipi, grubun logosu haline geldi ve albümlerde, tişörtlerde, yamalarda ve daha birçok yerde kullanıldı. Bu yazı tipinin, grubun “Satan Worshippin’ Mother Fucker” tişörtlerinde kullanılanlardan biraz farklı olduğunu belirtmek gerekir; o tişörtlerdeki harfler ters çevrilmiş ve daha çok Bodoni yazı tipine yakın bir görünüm sergilemektedir. Yazı: Jonathan Bell
Nirvana’nın logosunun hikayesi, markalaşmanın sadece görsel unsurlardan ibaret olmadığını aynı zamanda yaratıcılığın ve beklenmedik seçimlerin de gücünü gösteriyor. Bu durum, 1960’larda Volkswagen’ın logosu için kullanılan basit ama etkili tasarım felsefesini akla getiriyor. Her iki örnekte de, markanın kimliğini oluşturmak için karmaşık veya pahalı çözümler yerine, sadelik ve özgünlük ön plana çıkarılmıştır.
Kaynak: Wallpaper